Vincent Van Gogh (1853-1890) Vida y obras de arte
Vincent Van Gogh nació en 1853 en la ciudad de Zundert , en la provincia neerlandesa de Brabante Septentrional ( Países Bajos). Su padre era sacerdote. Van Gogh, uno de los artistas más trágicos del siglo XIX, vivió en constante depresión, luchando con la idea de que todo era inútil y con el deseo de hacer algo, de encontrar una salida. Sufrió, experimentó la infelicidad; a pesar de su inquietud y soledad, quiso despertar alegría y júbilo con sus pinturas; intentó transformar el dolor en alegría, la tristeza en alegría y la soledad en unión.
Se vio influenciado por la soledad, la tristeza y el dolor de las personas, y los reflejó en sus pinturas. Se interesaba por quienes sufrían. Se sentía incompatible con el mundo en el que vivía. La principal fuente de su melancolía e infelicidad es su soledad. Sus dudas de no poder lograr lo que deseaba, su trágico destino con la enfermedad y sus sentimientos de soledad lo llevaron a quitarse la vida.
Van Gogh se vio humillado y alejado del amor. En la carta que le escribió a su hermano Teo, le dice que su inutilidad no está en sus manos, que estaba encerrado en una jaula como resultado de la serie de acontecimientos que el destino le había impuesto, que quería hacer algo, pero no encontraba la manera. Más tarde, decide que su profesión para superar todo esto es la pintura, y se dedica a ella con gran entusiasmo.
Es mejor sentir dolor que reír, porque el dolor purifica el corazón. No se sabe qué es lo que encierra a la gente viva y construye muros a su alrededor, pero aun así se siente la existencia de algunos muros, alambradas y barrotes de hierro. ¿Es todo esto una ilusión, un sueño? No lo creo. Y uno se pregunta: Dios mío, ¿es esta una eternidad a largo plazo, permanente y universal?
En sus primeras obras al carbón, trató sobre mineros y campesinos, abordó temas como pilas de patatas y telares, y pintó cielos sombríos.
y paisajes oscuros y deprimentes. La pintura «Los Comedores de Patatas» simboliza este período sombrío y deprimente (Museo Vincent Van Gogh, Ámsterdam). La pintura de 1885 se centra en la vida cotidiana en el interior. Se ha mostrado a los trabajadores comiendo patatas que han plantado compartiendo. La única fuente de luz es una lámpara que cuelga desde arriba. La luz de la lámpara ilumina las patatas. Los mismos colores y tonos prevalecen en toda la imagen. Tonos oscuros de verde y marrón. Estaba tratando de obtener el color polvoriento de la patata. El color que dominaba toda la imagen era el color de las patatas silvestres. La apariencia sombría y oscura de la pintura y los rostros de las personas, la pobreza crean una atmósfera melancólica. Observando a esas personas, Van Gogh también supo lo que significaba la pobreza. En una carta que le escribió a su hermano durante este período: «Si esto sigue así, no alcanzaré mi meta. Si no hubiera pasado hambre durante tanto tiempo, mi cuerpo habría sido más fuerte. Pero cada vez que tenía que elegir entre trabajar menos o pasar hambre, siempre prefería pasar hambre. ¿Cómo puede alguien soportar esto? Veo tanto el impacto del hambre en mis pinturas que me preocupa mi futuro».
La litografía de 1882, Tristeza, representa a una mujer sentada (Museo Vincent Van Gogh, Ámsterdam). La cabeza de la mujer estaba inclinada sobre su rodilla y se encontraba atrapada entre sus brazos. Su largo cabello oscuro le caía desde la espalda desnuda. El cabello tenía el color de la piel. El contorno de la figura está nítido. Su rostro entre los brazos no es visible, pero es probable que esté llorando o expresando tristeza. Dejado solo, se encuentra en una situación desesperada. Con sus penas, está completamente solo, se siente empujado. Asistimos a una conmovedora expresión de dolor. La mujer que aparece aquí es Sien, una mujer alcohólica, embarazada y prostituta con quien Van Gogh vive. Esta pintura también incluye un dibujo al carboncillo.
La pintura de Van Gogh de 1890, «A las puertas de la eternidad», también representa a una persona en duelo (Rijksmuseum Kröller Müller, Otterlo). La pintura muestra el dolor de un anciano con pantalones y camisa azules, sentado en una silla. El anciano se cubrió el rostro con los puños, apoyó los codos en las piernas y se inclinó hacia adelante. No se ven sus ojos ni su rostro, pero ella también llora, desolada.
Ese mismo año, en su pintura Retrato del Doctor Gachet (1890), se ve a un hombre sentado sobre una mesa con el codo apoyado en la mejilla (Musée du Jeu de Pavme, París). El puño de la figura con casco blanco sostiene su cabeza sobre su mejilla. Van Gogh señala que el pensativo y afligido Doctor Gachet le parecía tan enfermo como enojado. El rostro de la figura está dominado por la melancolía, la tristeza, la desesperación y la desesperación. Esta tristeza impregna la imagen. Todos los colores y líneas encajan en esta atmósfera melancólica. Las líneas de la figura siguen la apariencia sombría y revelan este estado de ánimo emocional. El abrigo azul marino, el color azul oscuro del fondo y la palidez del rostro refuerzan la expresión.
En la pintura, Van Gogh buscaba una forma de desconectar de la vida. No hay otro pintor que refleje su entusiasmo, sus tormentas, sus penas y sus sentimientos extremos en sus retratos. Un Van Gogh que se enfrenta constantemente a sí mismo, que siempre está inseguro, que se siente constantemente destrozado y sensible al mirar la mano de otro, pero que no abandona el camino que recorre y en el que cree, que no es comprendido por quienes lo rodean. Con su dolor, su infelicidad, su inquietud, sus búsquedas, su ambición, su entusiasmo, su infinita soledad, su hambre de amor, su pobreza, su respeto por lo que hace, todas las obras que ha acumulado en su corta vida, las cartas que escribió a su hermano Theo, su enfermedad, sus crisis, sus elecciones entre un plato de sopa y un tubo de pintura, son las que lo hicieron Van Gogh. La mayor parte del tiempo no puedo creer que tenga 30 años. Me siento mucho mayor. Cuando pienso que la mayoría de quienes más me conocen me consideran un rante y creen que si las cosas no cambian, quizá tengan razón, me siento destrozado, como si esto ya hubiera sucedido .
Noche estrellada sobre el Ródano (1888) . La representación de la noche estrellada es deslumbrante. Estrellas luminosas, luces artificiales que caen sobre el mar desde la orilla y tonos azul oscuro se extienden por toda la pintura. Una pareja camina en primer plano. El hombre de las parejas que se ven aquí y en otras pinturas es pelirrojo. El pintor, que vivió solo toda su vida, siempre dibujó a su esposa, a quien nunca pudo encontrar en persona, junto a él en sus pinturas. Las figuras son muy pequeñas en el paisaje y miran al espectador. En una de sus cartas, escribió: « El problema de trasladar los paisajes nocturnos y las características del entorno nocturno al lienzo en la verdadera oscuridad de la noche y en el lugar, me asedia por todos lados ». Esto indica que la muerte es un medio para alcanzar las estrellas en el cielo. Pensó que las estrellas alcanzadas por la muerte podrían ser alcanzables. La noche es oscuridad, es miedo, es muerte, es sueño, es soledad, es tristeza.
