Vincent Van Gogh (1853–1890) Leben und Kunstwerke
Vincent Van Gogh wurde 1853 in der Stadt Zundert in der niederländischen Provinz Nordbrabant ( Niederlande) geboren. Sein Vater war Priester. Van Gogh, einer der tragischsten Künstler des 19. Jahrhunderts, lebte in ständiger Depression und kämpfte mit den Gedanken, dass es sinnlos sei, und dem Wunsch, etwas zu tun, einen Ausweg zu finden. Er hat gelitten, Unglück erlebt, trotz seiner Unruhe und Einsamkeit wollte er mit seinen Bildern Freude und Vergnügen wecken, versuchte, Schmerz in Freude, Traurigkeit in Freude und Einsamkeit in Zusammengehörigkeit zu verwandeln.
Er war geprägt von der Einsamkeit, der Traurigkeit und dem Schmerz der Menschen und spiegelte diese in seinen Gemälden wider. Er interessierte sich für die Leidenden. Er fühlt sich unvereinbar mit der Welt, in der er lebt. Die Hauptquelle seiner Melancholie und seines Unglücks ist seine Einsamkeit. Seine Zweifel, seine Ziele nicht erreichen zu können, sein tragisches Schicksal mit seiner Krankheit und seine Einsamkeitsgefühle führten dazu, dass er seinem Leben ein Ende setzte.
Van Gogh sah sich gedemütigt und der Liebe entfremdet. In seinem Brief an seinen Bruder Teo schrieb er, dass seine Nutzlosigkeit nicht in seiner Hand liege, sondern dass er durch die Schicksalsschläge in einen Käfig gesperrt sei. Er wolle etwas tun, finde aber keinen Weg. Später beschließt er, dass die Malerei seine Aufgabe sei, all dies zu überwinden, und widmet sich ihr mit großer Begeisterung.
Es ist besser, Schmerz zu empfinden als zu lachen, denn Schmerz reinigt das Herz. Man weiß nicht, was Menschen am Leben hält und Mauern um sie herum errichtet, aber die Existenz von Mauern, Drahtzäunen und Eisenstangen ist dennoch spürbar. Ist das alles eine Täuschung, ein Traum? Ich glaube nicht. Und man fragt sich: Mein Gott, ist das eine langfristige, dauerhafte und universelle Ewigkeit?
In seinen frühen Kohlearbeiten beschäftigte er sich mit Bergleuten und Bauern, beschäftigte sich mit Themen wie Kartoffelhaufen und Webstühlen und malte düstere Himmel
und dunkle und deprimierende Landschaften. Das Gemälde „Kartoffelesser“ symbolisiert diese trostlose und deprimierende Zeit (Vincent Van Gogh Museum, Amsterdam). Das Gemälde von 1885 konzentriert sich auf das alltägliche Leben im Landesinneren. Es zeigt Arbeiter, die Kartoffeln essen, die sie gepflanzt und geteilt haben. Die einzige Lichtquelle ist eine von oben herab hängende Lampe. Das Licht der Lampe beleuchtet die Kartoffeln. Im gesamten Bild herrschen dieselben Farben und Töne vor. Dunkle Grün- und Brauntöne. Er versuchte, die staubige Farbe der Kartoffel einzufangen. Die Farbe, die das ganze Bild dominierte, war die Farbe wilder Kartoffeln. Die düstere und dunkle Erscheinung des Gemäldes und die Gesichter der Menschen, die Armut erzeugen eine melancholische Atmosphäre. Beim Beobachten solcher Menschen wusste Van Gogh auch, was Armut bedeutet. In einem Brief an seinen Bruder schrieb er damals: „Wenn es so weitergeht, werde ich mein Ziel nicht erreichen. Hätte ich nicht so lange gehungert, wäre mein Körper stärker gewesen. Aber jedes Mal, wenn ich mich zwischen weniger arbeiten und hungern entscheiden musste, zog ich es vor, zu hungern. Wie kann man das ertragen? Ich sehe die Auswirkungen des Hungers in meinen Bildern so deutlich, dass ich mir Sorgen um meine Zukunft mache.“
Die Lithografie „Traurigkeit“ von 1882 zeigt eine sitzende Frau (Vincent Van Gogh Museum, Amsterdam). Der Kopf der Frau ist an ihr Knie gebeugt und sie ist zwischen ihren Armen gefangen. Ihr langes, dunkles Haar fällt von ihrem nackten Rücken herab. Hautfarbenes Haar. Die Umrisse der Figur sind deutlich erkennbar. Sein Gesicht zwischen seinen Armen ist nicht sichtbar, aber er weint höchstwahrscheinlich oder drückt Traurigkeit aus. Allein gelassen, befindet er sich in einer verzweifelten Lage. Mit seinem Kummer ist er ganz allein, er wird bedrängt. Wir sind Zeugen eines ergreifenden Ausdrucks der Trauer. Die Frau hier ist Sien, eine alkoholkranke, schwangere Prostituierte, mit der Van Gogh zusammenlebt. Dieses Gemälde enthält auch eine Kohlezeichnung.
Auch Van Goghs Gemälde „Am Tor zur Ewigkeit“ aus dem Jahr 1890 zeigt eine trauernde Person (Rijksmuseum Kröller Muller, Otterlo). Das Bild zeigt den Schmerz eines alten Mannes in blauer Hose und Hemd, der auf einem Stuhl sitzt. Der alte Mann bedeckt sein Gesicht mit den Fäusten, stützt die Ellbogen auf die Beine und beugt sich nach vorne. Ihre Augen und ihr Gesicht sind nicht zu sehen, aber auch sie weint und ist am Boden zerstört.
Im selben Jahr ist in seinem Gemälde Porträt des Doktor Gachet -1890- ein Mann zu sehen, der mit seinem Ellbogen auf dem Tisch sitzt (Musée du Jeu de Pavme, Paris). Die Faust der weiß behelmten Figur stützt seinen Kopf auf seiner Wange. Van Gogh bemerkt, dass der nachdenklich und traurig aussehende Doktor Gachet ihm ebenso krank wie wütend vorkam. Das Gesicht der Figur ist von Melancholie, Traurigkeit, Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit geprägt. Diese Traurigkeit durchdringt das Bild. Alle Farben und Linien passen zu dieser melancholischen Atmosphäre. Die Linien der Figur folgen der düsteren Erscheinung und offenbaren diese emotionale Stimmung. Der marineblaue Mantel darauf und die dunkelblaue Farbe des Hintergrunds sowie die Blässe des Gesichts verstärken den Ausdruck.
„In diesem Gemälde suchte van Gogh nach einem Weg, sich vom Leben abzuschotten. Es gibt keinen zweiten Maler, der seine Begeisterung, seine Stürme, seine Sorgen und seine extremen Gefühle in seinen Porträts widerspiegelt. Ein Van Gogh, der ständig mit sich selbst rechnet, der immer unsicher ist, der ständig niedergeschlagen und empfindlich ist, weil er auf die Hand eines anderen schaut, der aber den Weg, den er geht und an den er glaubt, nicht aufgibt, der von seinen Mitmenschen nicht verstanden wird. Mit seinem Schmerz, seinem Unglück, seiner Rastlosigkeit, seiner Suche, seinem Ehrgeiz, seiner Begeisterung, seiner endlosen Einsamkeit, seinem Hunger nach Liebe, seiner Armut, seinem Respekt vor dem, was er tut, all den Werken, die er in sein kurzes Leben gepackt hat, den Briefen, die er an seinen Bruder Theo schrieb, seiner Krankheit, seinen Krisen, seiner Entscheidung zwischen einer Schüssel Suppe und einer Farbtube – all das machte ihn zu Van Gogh.“ Die meiste Zeit kann ich nicht glauben, dass ich 30 Jahre alt bin. Ich fühle mich viel älter. Wenn ich daran denke, dass die meisten, die mich am besten kennen, mich für einen ‚Rante‘ halten und glauben, wenn sich die Dinge nicht ändern, haben sie vielleicht Recht, fühle ich mich am Boden zerstört, als wäre das schon geschehen .
Sternennacht über der Rhone – 1888. Die Darstellung der sternenklaren Nacht ist überwältigend. Leuchtende Sterne, künstliches Licht, das vom Ufer aufs Meer fällt und dunkle Blau- und Bläutöne breiten sich über das gesamte Bild aus. Im Vordergrund ist ein Paar zu sehen, das spazieren geht. Der Mann des hier und auf anderen Gemälden gezeigten Paares ist mit roten Haaren dargestellt. Der Maler, der sein Leben lang allein war, malte auf seinen Bildern stets seine Frau, die er im wirklichen Leben nie antraf. Die Figuren sind in der Landschaft sehr klein und blicken dem Betrachter zu. In einem seiner Briefe schrieb er: „ Das Problem, die nächtlichen Landschaften und die Merkmale der nächtlichen Umgebung in der wahren Dunkelheit der Nacht und an Ort und Stelle auf die Leinwand zu übertragen, bedrängt mich von allen Seiten .“ Das deutet darauf hin, dass der Tod ein Mittel ist, um zu den Sternen am Himmel zu gelangen. Er dachte, dass die Sterne, die man durch den Tod erreicht, vielleicht erreichbar sein könnten. Die Nacht ist dunkel, sie ist Angst, sie ist Tod, sie ist Schlaf, sie ist Einsamkeit, sie ist Traurigkeit.
